Espacio
para
arquitectura

LIGA, Espacio para arquitectura es una iniciativa independiente fundada en la Ciudad de México en 2011, que promueve la arquitectura contemporánea latinoamericana a través de exposiciones, publicaciones, eventos, conferencias y talleres.

Horarios

M-S: De 11:00 a 18:00 hrs
Domingos: Cita previa

#arquitecturaexpuesta
#exposedarchitecture

Exposiciones

2019

PEDRO ALONSO Y HUGO PALMAROLA

Trayectorias de un panel 
30 de noviembre - 28 de febrero, 2019      
                                                                                       
Para su exposición en LIGA, los investigadores chilenos Pedro Alonso y Hugo Palmarola muestran por primera vez en México un resumen de su proyecto de investigación sobre las “genealogías” de sistemas en torno a modelos de construcción en Chile durante los años del socialismo de Salvador Allende. Una investigación que relaciona la arquitectura con las transformaciones sociales y culturales, fruto de los cambios geopolíticos de la modernidad.

La exposición toma como punto de partida el proyecto “Monolith Controversies”, investigación realizada para la Bienal de Venecia de 2014, curada por Rem Koolhaas, como parte de la sección “Absorbing Modernity”.  Un objeto híbrido se alzaba a la mitad del espacio del pabellón de Chile: un panel de concreto de 3 x 3 m de altura, producto de la fábrica de KPD donada por la URSS a la ciudad de Quipulé en Chile, para apoyar el gobierno socialista de Salvador Allende.

Este monolito de concreto, mitad pieza industrial, mitad monumento del presente, fue un simbólo de la transformación social y económica de Chile a través de la construcción masiva de vivienda social. El modelo venía de Francia, y había sido inventado como una solución económica y eficiente para el periodo de reconstrucción de la Europa de la posguerra; la estructura sería posteriormente adaptada por la Unión Soviética, a raíz de la escasez de vivienda que generó el proceso de desestalinización del país, comandado por el líder soviético Nikita Khrushchev. Su tercera encarnación emerge en Cuba, donde el sistema fue readaptado como el “Gran Panel” soviético, en 1963, resultado de la donación de una fábrica de producción de paneles de concreto al régimen de Fidel Castro. A través de estas adaptaciones, el sistema de paneles finalmente llegó al Chile de Salvador Allende, tras una nueva donación de una fábrica de paneles KPD, para apoyar al pueblo chileno tras el terremoto de 1971. Uno de los primeros paneles en producirse fue firmado con puño y letra por el propio Allende, como símbolo de una nueva era, ejemplo de modernización y nuevas políticas sociales en torno a la vivienda. Después del golpe de Estado de 1973, la fábrica cambiaría de dirección y estrategias, modificando el rumbo diseñado por el brazo socialista. La pared firmada conjuntamente con el embajador ruso con la leyenda: “Gracias compañeros soviéticos y chilenos” sería cancelada con una nueva capa, convirtiendo el monolito social en un tradicional altar religioso: el triunfo de la derecha conservadora sobre el socialismo y la sepultura en vivo de un momento cargado de esperanzas y aires de renovación. La fábrica continuaría su operación, y el panel de concreto sería asimilado en dos estadios políticamente antagónicos, representando su cuarta y quinta interacción: el KPD socialista (1972) y el VEP neoliberal (1976).

Para la exposición se reúne fotografías de la trayectoria del panel como un reflejo de la historia arquitectónica, política y cultural de Chile, empezando por un recorrido de varias décadas hasta su recuperación y exposición en la Bienal de Venecia. En el espacio de LIGA se muestra una maqueta de un edificio “Matrioshka”, donde convergen los diferentes sistemas interconectados de este modelo, con valores de similitud y repetición, estandarización y variación de un objeto, que se vincula con procesos tecnológicos, arquitectónicos, de diseño, arte, política y cultura.

Asimismo, se exhibirán dibujos y documentos de prensa que acompañaron el proceso sociocultural de Chile y la transformación de la ciudad en la época de Salvador Allende. Finalmente y de forma inédita, se exhibirá un documental que recoge el proceso de descubrimiento y develado del panel en tiempos recientes.

Sobre los investigadores: Pedro Alonso es arquitecto y magíster en Arquitectura por la Pontificia Universidad Católica de Chile, y doctor en Arquitectura por la Architectural Association de Londres. Hugo Palmarola es diseñador de la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC). Tiene una maestría en Historia y Teoría del Diseño Industrial por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde también obtuvo su grado de Doctor en Estudios Latinoamericanos con una investigación sobre los imaginarios tecnológicos durante la época de oro del cine mexicano.

2018

JOSETO CUBILLA

Ambapy
Marzo– mayo 2018
Offsite: Jardín 17 de los talleres de Luis Barragán
 
En la cosmogonía guaraní, Ambapy* es el nombre que se le otorga a la bóveda celeste que reposa sobre el zócalo de la Tierra. A partir de esta imagen mítica, el arquitecto paraguayo José Cubilla centra la atención en el elemento tierra y en el origen del planeta como tema recurrente en muchas culturas, intrínsecamente conectado a la práctica arquitectónica. A través de un proceso de apisonado y fraguado, más de 1,300 kilos de tierra se compactan para formar una viga de 5 metros de largo que a su vez cuelga de un armazón de madera sostenido por cuatro pies, coronado por una gran piedra que da estabilidad al conjunto.
El sistema en equilibrio es robusto y frágil al mismo tiempo. Mientras los materiales utilizados son básicos y austeros, el proyecto de Cubilla es constructivamente sofisticado. El arquitecto utiliza el espacio del Jardín 17, jardín de los talleres del arquitecto Luis Barragán, como laboratorio para ensayar límites de esfuerzo y resistencia asociados a la tierra: una metáfora que nos recuerda que la Tierra también se agota y que mantener su equilibrio es una responsabilidad universal.
 
* Ambapy
Los conceptos Amba y Ambapy son esenciales para entender la cosmovisión de la Tierra en las diferentes culturas guaraníes extendidas en el territorio de Sudamérica, desde la cuenca del Amazonas hasta las misiones en Argentina. Una región que recorre y alberga una variante de más de 85 lenguas diferentes con un mismo tronco común.
 
Amba: definición literal de la bóveda celeste que se refiere al origen y la ubicación del “allá arriba”, espacio que alberga a los seres míticos fundadores de la cultura, de acuerdo con el pensamiento guaraní.
Ambapy: La bóveda celeste aquí en la Tierra, donde se gesta la existencia humana y se administra el teko, el ser, sostenido por la misma.

2017

ALEJANDRO PAZ

Endogeneidades
Mayo – septiembre 2017
 
La sala de exposiciones de LIGA queda aparentemente vacía a la vista durante la exposición del arquitecto guatemalteco Alejandro Paz, ocupada por la música de una pieza sonora. Se trata del sonido grabado durante un concierto el día de la inauguración y corresponde a una pequeña orquesta de músicos interpretando una adaptación de las famosas obras para piano de Erik Satie, Gymnopédies. Los músicos no están en la galería, sino debajo de ella en el ambiente húmedo y opresivo del sótano. Los performers se agrupan entre unos misteriosos artefactos, los pilotes de control que sustituyeron la cimentación original del edificio sede de LIGA, y que periódicamente son regulados por los ingenieros responsables de que la enorme estructura siga en pie.
El espacio de la galería, normalmente ocupado, se vacía. Los vidrios, normalmente transparentes, están ilustrados con imágenes de esos pilotes. El universo subterráneo, oculto y oscuro de la cimentación ve la luz en forma de fotografías adheridas a las ventanas de LIGA, mientras que unos metros más abajo, resuena el eco perdido de una orquesta que no se ve.
 

CAMILO RESTREPO. AGENdA

Trópico Canónico
Marzo – mayo 2017
 
Camilo Restrepo interviene el espacio con una instalación compuesta por imágenes traslúcidas de plantas tropicales. Trece piezas de tela impresa que remiten a las cortinas usadas por Mies van der Rohe y Lilly Reich en el Café Samt & Seide en 1927 y que se organizan siguiendo la planta del Pabellón Sonsbeek de Aldo Van Eych de 1966, crean esta atmósfera etérea y frágil. La muestra juega con las reglas de la pintura romántica para crear un holograma penetrable del jardín de su propio estudio en Medellín. La superposición de motivos vegetales paisas traslada no sólo las ideas e inquietudes sino el propio lugar de trabajo del arquitecto a la sala de exposiciones de LIGA.

 
Trópico canónico cuestiona, la noción estética con la que los naturalistas europeos, encabezados por el alemán Alexander von Humboldt y el español José Celestino Mutis —que se conocerían en Bogotá en torno al año 1800—, lograron deconstruir así como sintetizar en buena parte del territorio tropical americano a partir de representaciones parciales.Camilo Restrepo propone una narrativa tropical contemporánea en la que las visiones estilizadas del contexto se adaptan al recorrido del visitante.
 

SPACES WITHOUT DRAMA

Spaces without drama or surface is an illusion, but so is depth
Exposición de LIGA en la Graham Foundation, Chicago
16 de febrero 16 – 1 de julio, 2017

Inspirados por la reciente proliferación del collage digital en la representación arquitectónica, se pidió a arquitectos, artistas y dramaturgos que trabajaran la relación entre el collage gráfico y el escenario teatral examinando las formas en que utilizan superficies bidimensionales para evocar ambientes arquitectónicos.
 

Tomando el Little Scientific Theatre de Aldo Rossi (1978) y otros precedentes históricos, incluidos los teatros de juguetes del siglo XIX y el diseño escénografico realizado por David Hockney para la opera The Magic Flute (1977), se propuso a los colaboradores explorar la compleja interacción entre la representación pictórica y la composición tridimensional  a través de la lente de estos aparatos teatrales.
 
Los creadores invitados realizaron una serie de proyectos que entrelazaron sus propios intereses personales y modos de trabajo con el tema propuesto por la investigación curatorial; a partir de escenarios en miniatura, proyectos basados en fuentes históricas,  obras basadas en el aspecto temporal y narrativo del teatro, oy trabajos de sitio específico para la Casa Madlener. El espacio de la Graham Foundation se tranformó en una doble exposición: una puesta en escena compuesta por muchas mise-en-scénes. Como alguna vez sugirió Rafael Moneo, refiriéndose al teatro de Rossi como juguete, es "solo la ficción del teatro lo que nos permite comprender la realidad".
 
En la exposición participaron:  Emilio Ambasz, baukuh, Pablo Bronstein, Gerardo Caballero, fala atelier, Marcelo Ferraz, Sam Jacob Studio, William Leavitt, Johnston Marklee, Charles Moore, Monadnock, MOS Architects, Norman Kelley, OFFICE Kersten Geers David Van Severen, Jorge Palinhos, Pezo Von Ellrichshausen, Cecilia Puga, Aldo Rossi, Taller de Arquitectura Mauricio Rocha + Gabriela Carrillo, Silke Otto-Knapp, Gabriel Sierra, y Batia Suter.
 
Curada por Wonne Ickx y Ruth Estévez, LIGA — Space for Architecture.
Exposición comisionada por la  Graham Foundation

2016

UMWELT

La casa de las máquinas
Noviembre 2016 – febrero 2017
 
Más de cien charolas de acero para cables eléctricos se apilan formando un cilindro imperfecto de doce lados en la propuesta de los arquitectos UMWELT, Ignacio García Partarrieu y Arturo Scheidegger. El artefacto, de origen incierto, ocupa el espacio expositivo de LIGA hasta casi colapsarlo.

Se accede a su interior por una apertura en la textura continua de las piezas, que esconde un recorrido sin principio ni fin por el universo metodológico y proyectual de la oficina chilena. Si las pasadas ediciones a cargo de Pezo von Ellrichshausen y RCJV, incorporaron imágenes y planos del trabajo de las respectivas oficinas, ya fuese en forma de miniaturas colgadas en las paredes de un museo a escala 1:10 o compiladas en un libro; UMWELT propone construir una arquitectura que acoja la representación de otras arquitecturas ausentes. Esta estructura concebida no sólo como objeto simbólico, sino también como un espacio capaz de condensar el flujo de los visitantes, ofrece una exposición dentro de otra exposición, cuestionando así la paradoja de exponer arquitectura.

www.umw.cl

S-AR

Una columna es un sistema
Agosto – Noviembre 2016

En su vigésima tercera edición, LIGA funciona como espacio anfitrión e invitado, trabajando con la galería argentina Monoambiente, que organiza el Ciclo Colaboratorio. Este experimento curatorial convoca a tres instituciones a desarrollar una propuesta específica para el espacio situado en Buenos Aires. De este modo, Storefront for Art and Architecture (Estados Unidos), The Canadian Centre for Architecture (Canadá) y LIGA, Espacio para Arquitectura, DF (México) colaboran por primera vez en un mismo proyecto, con apoyo de la Graham Foundation (Chicago).

 Los arquitectos regiomontanos de S-AR aceptaron el desafío de intervenir simultáneamente LIGA y Monoambiente. Para ello proponen no una pieza aislada, sino una estrategia aplicable a cada uno de los dos espacios, topológicamente equivalente en ambos casos. La conexión se establece, asimismo, mediante el material, que es malla de acero y, en contraposición, debido a que el acero se deja crudo en un espacio y se pinta de blanco, en otro. Si bien en LIGA la pieza recorre el perímetro interior y sus tres columnas envolviéndolas con sucesivas capas que permiten ver a través de éstas, en Monoambientese erige una sola columna central imaginaria.

La superposición de mallas produce, en ambos casos, un muaré. Este efecto óptico que percibimos cuando dos patrones de líneas cercanas paralelas se superponen, tiene lugar entre las mallas separadas por escasos centímetros, pero también entre aquellas que están a miles de kilómetros de distancia, en dos hemisferios diferentes, imbricándose conceptualmente desde Ciudad de México hasta Buenos Aires.

www.s-ar.mx

Axel Arañó/Cano Vera/Dcpp/Iván Hernández/Tezontle

Exposiciones de un minuto
Junio 2016
 
Durante un periodo de cuatro días, LIGA presentó una serie de exposiciones consecutivas de un solo minuto de duración dentro del espacio de la galería. Cada una de estas exposciiones estuvo a cargo de una oficina mexicana.
 
 
Al igual que en las exposiciones trimestrales de LIGA, la galería se convierte en un punto de partida crucial. Hasta hoy, más de 20 arquitectos han explorado, medido, transformado e interactuado con el mismo espacio a través de instalaciones de sitio específico. Ahora, el ejercicio se replantea a través de un experimento espacio-temporal de naturaleza efímera cuyo resultado documental fue presentado a través de documentación con la presencia de los autores.
 
Ludens: www.ivan-hernandez-aay5.squarespace.com
Cano Vera: www.canovera.com
Axel Arañó: www.axelarano.blogspot.com
DCPP Arquitectos: www.dcpp.mx
Tezontle: www.tezontle-studio.com

Anna Juni, Enk Te Winkel, Gustavo Delonero (Vão) + Marina Canhadas

Subsolanus
Febrero – mayo 2016
 
La exposición Subsolanus el resultado del primer concurso público organizado por LIGA. De entre las 140 propuestas recibidas, provenientes de 10 países, el jurado seleccionó el proyecto del equipo formado por los brasileños [Vão] Anna Juni, Enk te Winkel, Gustavo Delonero + Marina Canhadas.
 
La propuesta ganadora es una de la más arriesgadas e incluso una de las más desafiantes en la trayectoria de LIGA. Las cuestiones logísticas, que normalmente limitan el desarrollo de cualquier proyecto expositivo, se vieron supeditados a la belleza poética de un gesto invisible: transportar el aire desde la azotea del edificio de más de 30 metros de altura, hasta la galería que se encuentra a nivel de la calle, utilizando para ello un tubo de plástico transparente de 60 cm de diámetro. De este modo se conectan por primera vez, las dos áreas que constituyen LIGA: la sala de exposiciones en planta baja y el penthouse en la azotea, donde tienen lugar las conferencias, debates e Interludios. Se establece una comunicación entre la escala cercana del ciudadano y la visión panorámica de la ciudad, entre lo humano y lo urbano, la práctica y la teoría. Subsolanus induce una acción metafórica cuyo efecto, la entrada de viento en la galería, depende de las condiciones climáticas y está, por lo tanto, inevitablemente fuera de nuestro control.
 
Subsolanus tuvo que desmontarse con antelación debido a los fuertes vientos en la Ciudad de México. Las piezas utilizadas en la instalación, boca inferior, boca superior, anillos y cable de acero, se exhibieron en el espacio de LIGA como registro y segunda parte de la exposición.
 

2015

Nicolas Campadónico

Altenartivas simultáneas
Noviembre – febrero 2016
 
Nicolás Campodonico construye una pieza de lámina de acero de espejo en forma de ángulo agudo, cuyo vértice define una línea vertical entre el suelo y el techo en el centro de la sala, con extremos que se apoyan en los alféizares de las ventanas. Después de haber barajado muchas opciones, la exposición acabó llamándose Alternativas simultáneas.
 
De esta forma se hace referencia a las diversas opciones de percepción espacial ofrecidas por el reflejo acuoso del acero que, debido a su fino espesor, forma ciertas ondulaciones en su superficie. Casualmente remite a las veinte instalaciones que a lo largo de estos cinco años, desde la inauguración de LIGA en 2011, han ocupado el espacio. Las ediciones se han sucedido en el tiempo, dejando siempre su impronta en el lugar como una preexistencia invisible. Al contemplar la pieza de Campodonico podemos ver en retrospectiva, todas las alternativas simultáneas pasadas y, tal vez las que están por venir.
 

TACOA (Rodrigo Cerviño + Fernando Falcón)

Jardineira
Mayo – agosto 2015
 
La tradición de construir en concreto de la Escuela Paulista, está claramente presente en el trabajo de los arquitectos brasileños Fernando Falcón y Rodrigo Cerviño (TACOA). Esta joven oficina basada en San Paolo, establece como punto de partida que la arquitectura (o la exposición de la misma), debe de ser un pretexto para interactuar directamente con la ciudad: toda acción arquitectónica es una acción urbana. El proyecto tenía que construirse, como no podría ser de otra forma, en concreto armado. En una época en la que la relevancia de la arquitectura se mide por su potencial de innovación tecnológica y de ruptura cultural, la certidumbre con la cual TACOA afirma su pertinencia a una tradición local, es remarcable.

Cuando Vilanova Artigas, precursor de la Escuela Paulista, expresaba la diferencia de su método proyectual con el de Oscar Niemeyer, declaraba lo siguiente: ‘Oscar y yo tenemos las mismas preocupaciones y nos encontramos con los mismos problemas pero mientras que él siempre se esfuerza por resolver las contradicciones en una síntesis armoniosa, yo las expongo claramente.’1 Y eso es lo que el extraño objeto de TACOA hace de manera tan contundente, en las calles de la Ciudad de México: materializar las fricciones de la vida urbana. Rodrigo Cerviño y Fernando Falcón reemplazan las fracturadas y desgastadas jardineras de esta transitada esquina de Insurgentes, por otro objeto igual de imperfecto: una plataforma inclinada, mitad banca, mitad jardinera que sale desencajada de la costra urbana como una placa tectónica expulsada por la presión excesiva.

1Cita de Bruand Yve, Arquitetura contemporánea no Brasil en Vilanova Artigas y la dialéctica de los esfuerzos / Vilanova Artigas and the dialectics of stress, Guilherme Wisnik, 2G No.54, João Vilanova Artigas, p.18

www.tacoa.com.br

Estudio Macías Peredo

Convocar piedras
Febrero – mayo 2015

La artesanía y el trabajo manual juegan un papel importante en el trabajo de Macías Peredo, que utilizan la improvisación e imprecisión en la realización de sus proyectos. La intervención en el espacio de LIGA comienza bajo esa misma filosofía. Inspirados por una emotiva cita de Adolf Loos sobre la cualidad humana del granito trabajado, los arquitectos dirigen nuestra atención hacia el material mismo del suelo de la galería: recinto volcánico negro. La pareja jalisciense pidió que les trajeran 33 toneladas de este material autóctono, en su versión más cruda y accesible: ‘costera de recinto’ ó los sobrantes irregulares de la extracción del recinto comercial. Junto con un grupo de albañiles se inició un proceso intuitivo de pruebas de apilado. A base de una idea general de composición en planta, Macías Peredo reacciona ante ‘lo que la piedra les exige’ y van creando soluciones estructurales sobre la marcha.

Macías Peredo ‘apila’ igualmente para esta muestra, pequeños e íntimos escritos de amigos cercanos que nos relatan, desde diferentes puntos de vista, la apreciación del trabajo manual y el rol del artesanado en la producción arquitectónica. En su praxis observamos cómo la mano humana logra manipular el material, inclusive aquel menos maleable, para así arrancar la piedra de la montaña y extraer la arquitectura del paisaje.

www.emparquitectos.com

2014

Lab.Pro.Fab. Alejandro Haiek

Papeleo
Noviembre 2014 – febrero 2015
 
Alejandro Haiek analiza con ojo crítico las prácticas comunes de la arquitectura y la construcción; en este caso, los procesos burocráticos, las reglamentaciones, trámites, permisos y el arsenal de copias que se genera a partir de esta ventana administrativa y se convierten en el objeto de investigación del arquitecto venezolano. La reconstrucción de la galería a través de complejas superficies de papel denuncia la hipocresía y el oportunismo del greenwashing, el despilfarro de papel y la lógica legislativa que simplemente convierte materia prima en archivo muerto. Las geometrías de papel de calculadora que envuelven el espacio en una matriz de plegados, evidencian una práctica profesional impulsada principalmente por la lógica de la factura, el cobro y las finanzas.
 
Los patrones de papel aparecen tensados entre bastidores de madera, activados por la iluminación y ventilación controlada por sensores interactivos. Estos ejercicios constituyen ensayos de fabricación, experimentos y prototipos en donde conocimiento local, manufactura artesanal y ensamblajes rústicos se enlazan con automatización, sistemas de interactividad, ingeniería y procesos digitales de diseño. Haiek relaciona así el quehacer local con el ecosistema global combinando recursos obsoletos con tecnología aplicada. La instalación subvierte el universo del arquitecto-oficinista y transforma sus componentes cotidianos, rollos de calculadora, ganchos de carpeta, clips o ventiladores de computadora en herramientas de poesía, crítica y resistencia.
 

Emilio Marín + Juan Carlos López

El espacio entre las cosas
Agosto – noviembre 2014

La muestra del dúo chileno, Emilio Marín y Juan Carlos López, consiste en una serie de objetos en yeso dispuestos sobre cuatro estanterías metálicas distribuidas en la galería. Los objetos corresponden a proyectos de la oficina, artefactos anónimos y referencias arquitectónicas o artísticas que tienen un papel clave en el pensamiento de la oficina. Proyectos de arquitectos como Ledoux, Palladio, Niemeyer, Le Corbusier, Libera, Shinohara, Ito, Lewerentz, Hejduk y Rossi se yuxtaponen al lado de diseñadores como Sottsass, artistas como Brancusi, objetos cotidianos y propuestas del propio estudio. Esta colección de objetos forma un inventario y un marco de referencia sin restricciones cronológicas y geográficas, que celebra la cultura de la información.

La materialización de estos objetos a través de vaciados en yeso en tonos grises, verdes, amarillos, azules y rosas, traslada el repertorio a la escala del objeto, unificando el lenguaje formal y perdiendo sus rasgos particulares. Como en las naturalezas muertas de Giorgio Morandi, los elementos se agrupan en ensambles sobre las superficies blancas de los muebles, creando una armonía de figuras excéntricas. Este pequeño wunderkammer instalado en la galería presenta al arquitecto como curador, coleccionista y editor: leer, ver, prestar, copiar, ensamblar y descifrar las propuestas espaciales de hoy y de antaño, es para Marín y López el punto de partida para crear significados nuevos.

www.emiliomarin.cl

MAPA

Espacios en espacios
Mayo – agosto 2014
 
La oficina binacional MAPA hace presente y tangible el espacio mismo de la galería a través de una retícula de polines de madera que se despliegan en él. Como en la tipología de la sala hipóstila, esta distribución de elementos contiguos ocasiona una experiencia espacial, generando visuales ortogonales y diagonales a través de los obstáculos. Cada una de estas columnas verticales alberga una escena excabada en su interior, realizada con escalas de maquetas que representan actividades de la vida cotidiana.

El recorrido del visitante activa el espacio creando tanto encuentros personales entre el individuo y las actividades representadas, como una lectura fragmentada del visitante en la instalación – un juego recurrente en el trabajo de MAPA. En su conjunto, la multiplicidad de escenas cotidianas y la repetición matemática de las piezas de madera generan una simbiosis entre vida y materia, entre escenas individuales y la colectividad de la polis, entre lo particular y lo genérico.

www.mapaarq.com.uy

Diego Arraigada

Mirar adentro, mirar afuera
Abril – mayo 2014
 
Para su intervención en LIGA, el arquitecto argentino Diego Arraigada parte de uno de los elementos más característicos de la galería: las dos ventanas horizontales que la conectan con su entorno urbano. A través de una escueta estructura de metal que une las aristas interiores de ambas, el arquitecto establece un cortocircuito espacial, volviendo innecesario el cristal que separa el espacio expositivo de la ciudad misma. La fachada del edificio se repliega en su interior y arroja nuestra mirada de nuevo hacia la calle.

Dependiendo del punto de vista, el artilugio colgado entre ambas paredes de mampostería, parece al mismo tiempo un túnel y un puente, espacio y objeto: una banda de Moebius que confunde lo que es interior y lo que es exterior. Arraigada perfora el edificio y pone en tela de juicio uno de los argumentos básicos de la arquitectura: la definición de un adentro y un afuera.

www.diegoarraigada.com

2013

Ricardo Carvalho + Joana Vilhena

Un cuarto para la ciudad de México
Noviembre 2013 – enero 2014

Bajo el marco de la Trienal de Arquitectura de Lisboa, LIGA inaugura una exposición doble presentando simultáneamente al estudio portugués RCJV en la Ciudad de México y el despacho mexicano MMX en Lisboa, Portugal.

La propuesta de RCJV, Un cuarto para la ciudad de México es la construcción de un lugar –un cuarto–, dentro del espacio expositivo de LIGA. En su interior se encuentra un atlas inédito: un libro que recopila imágenes de lugares, objetos, elementos y trabajos que recrean la trayectoria de Ricardo Carvalho y Joana Vilhena a lo largo de estos años. “The Room is the Place of the Mind. In a small room one does, not say what one would in a large room”. Con ésta afirmación de Louis Kahn, RCJV habla de la construcción de una arquitectura cotidiana, que sucede además en el momento presente, realizada con materiales ligeros y efímeros. La muestra se acompaña por textos de los arquitectos Manuel Aires Mateus (POR) y Mauricio Pezo (CHL).

www.rcjv.com

MMX

Coexistencias (LIGA en la Trienal de Lisboa)
Noviembre, 2013
 
MMX (Jorge Arvízu, Ignacio del Río, Emmanuel Ramírez y Diego Ricalde) genera una reflexión sobre escala, contenido y frecuencia al multiplicar el espacio de LIGA en las amplias salas del Museo de Diseño y Moda de Lisboa. LIGA cabe treinta veces en los 561m2 de la sala del MUDE, por lo que, si tomamos como referencia el tamaño, podría presentarse el trabajo de hasta treinta estudios, bajo el pequeño formato de LIGA: el mismo volumen físico que se conseguiría con ocho años de programación.

El estudio mexicano instala una repetición del perímetro de LIGA a través de unos textiles rojos tensados entre columnas metálicas, creando un campo diagonal que satura el espacio del MUDE. Los atributos geométricos y espaciales de ambos espacios dialogan entre sí para explorar las posibilidades de uno contenido en el otro, estableciendo una nueva organización. 

www.mmx.com.mx

Luis Aldrete

Maqueta de un lugar común
Agosto – octubre 2013

Como toda la arquitectura de Luis Aldrete, su intervención en LIGA parte del interés en los objetos, materiales y experiencias tangibles. Como refleja sin duda el patio de su estudio en Guadalajara, las fuentes y las referencias anónimas son claves para definir su lenguaje, así como la inclusión de una memoria física en la materialización de sus obras.

At the gallery he uses plain formwork, earth, vegetation and mirrors, to submerge a small garden into the mass of earth: an architecture that is anchored deeply in an undeniable telluric condition, intimately related to a material universe. The access to this hidden oasis generates expectations, displacements and tensions that immerse us in a contemplative micro-universe. There, the infinite repetition produced by the mirrors creates an illusory space that reveals the spatial possibilities and sensibilities implicit in the daily world around us.

http:/luisaldrete.com/

Eduardo Castillo

Sonido opaco
Mayo – julio 2013
 
Sonido opaco es un proyecto que consiste en una pieza robusta de madera que ocupa casi la totalidad de la galería. La masa intrusiva del objeto anula el espacio de la sala, y obstruye a la vez las vistas hacia el interior con su propia presencia. El volumen –una configuración espacial recuperada de un proyecto anterior donde era mobiliario en una plaza– está empotrado literalmente entre el piso y el techo de la galería impidiendo definir la naturaleza real del objeto. Entre artefacto de diseño, escultura, arquitectura, objet trouvé, hallazgo arqueológico o meteorito caído, la desmesura de la masa introducida se confronta con el espacio.

El arquitecto chileno, formado también como carpintero en el taller de su padre, explica: “Propongo ocupar una sala en opacidad, con una estructura de madera de 2,26 metros de alto. Silenciosa, perfumada y apuntalada, a medio camino entre guarida y remanso para las hordas. No es una obra de arte para ser exhibida, sino más bien, un lugar ocupado con desmesura por una estructura de madera, temporalmente encajada con cuatro cuñas entre tierra y cielo que, como en uno de los cuentos de los Hermanos Grimm, me invita a demostrar la habilidad de convertir la paja en oro”.

PLAN:B

Permeabilidad
Febrero – abril 2013

Permeabilidad es un proyecto relacionado con la última publicación de plan:b, que lleva el mismo título. En este proyecto, Felipe y Federico Mesa dan el mismo estatus a los diferentes formatos de trabajo, tales como el dibujo, el viaje, la maqueta, la construcción o el diálogo. Ambos entienden su práctica como un proceso de aprendizaje, generando situaciones abiertas, pactos provisionales, fenómenos no impositivos e insertos en redes eco–sociales cambiantes y flexibles. La permeabilidad, además de ser una cualidad material, social y orgánica, es aquí una condición que permite la arquitectura relacional; una arquitectura plena de influencias, obligada al acuerdo parcial e inmersa en el flujo de interacciones y negociaciones de la cotidianidad.

La muestra expande y materializa el contenido de este libro mediante la proyección del material audiovisual realizado ex profeso para la instalación: el registro de fenómenos lumínicos y sonoros – grabados en lugares distintos– que penetran desde el exterior hacia los espacios interiores. Para plan:b, la arquitectura es la permeabilidad misma.

www.planbarq.com

2012

Izaskun Chinchilla

Casa: árbol chocolate, chimenea
Noviembre 2012 – enero 2013

En su proyecto titulado Casa: Árbol, Chocolate, Chimenea, Izaskun Chinchilla convierte el espacio de la galería en la escenografía de un cumpleaños campestre que festeja la vivienda, la cual -según dice la arquitecta- cumple millones de años. Sobre mesas realizadas con ruedas de carromato y troncos de árboles, descansan tres maquetas comestibles en forma de tarta, decoradas con motivos infantiles e iluminadas por lámparas de siluetas orgánicas. Cada tarta representa diferentes estadios de la casa sobre el árbol, metáfora que utiliza Chinchillla para hablar de la forma más natural y ancestral de habitar. La instalación comunica la esencia de su trabajo arquitectónico: la relación de la casa con el entorno inmediato, la responsabilidad del arquitecto–ciudadano en la construcción de la ciudad y la malograda espontaneidad sensorial con la que los arquitectos se acercan al tema de la vivienda.

A pesar del ambiente festivo, Chinchilla señala con claridad las problemáticas urgentes de la crisis actual de la vivienda: su desvinculación con el usuario y la desconfianza de la sociedad hacia el gremio. En la misma filosofía que los Eames, para Izaskun “todo es arquitectura”. Así, inspirada por los ubicuos detalles de la vida cotidiana, la arquitecta promueve una arquitectura comprometida con la innovación profesional: una combinación refrescante entre nuevas tecnologías y una búsqueda por experiencias primarias y sensoriales.

 www.izaskunchinchilla.es

Adamo-Faiden

Un ambiente
Mayo – agosto 2012
 
Un Ambiente se centra en el método proyectual recurrente dentro de la obra arquitectónica de Adamo–Faiden: la creación de espacios intersticiales que median entre dos condiciones distintas. Estos ambientes se recrean físicamente a través de una instalación con tres proyectores de video, tres pantallas transparentes, una máquina de humo y un extractor.

Los proyectores y las pantallas están ubicados de tal manera que fragmentos fotográficos de la obra del estudio argentino, se visualizan enfrente de las tres vitrinas del espacio. En lapsos regulares de tiempo, la exposición se llena de humo artificial, sustituyendo la claridad de las imágenes proyectadas por la materialización del aire confinado entre las paredes de LIGA. Cuando el lugar esta inundado de humo, el extractor se activa vaciando el espacio y visualizando de nuevo las diapositivas en pantalla.

La instalación va oscilando continuamente entre la representación de una estrategia arquitectónica y la materialización de la misma. Las imágenes se yuxtaponen generando un ambiente que expone los métodos, fantasías y ambiciones del estudio argentino como fragmentos fantasmagóricos y disueltos en el lugar: una atmósfera inestable pero específica que, en esta instalación, adquiere una sensibilidad autónoma.

Sobre los arquitectos: www.adamo-faiden.com


 


 

Carla Juaçaba

Isostasia
Febrero – mayo 2012
 
Para la arquitecta brasileña Carla Juaçaba, toda arquitectura es un esfuerzo físico: la tarea de edificar implica trabajo, fuerza ejercida a la materia y la introducción de una concepción abstracta en el terreno. Imanes de alta potencia, cuerdas de guitarra, canicas de vidrio verde, rondanas metálicas y delgados perfiles de latón crean una composición en equilibrio que alude a situaciones estructurales similares a las de sus edificios construidos. La instalación pone en evidencia las tensiones físicas, casi telúricas, con los que la arquitectura ordena el material y se enfrenta a la gravedad.

El título de la exposición, Isostasia, se refiere a la condición ideal de equilibrio gravitatorio que regula las alturas de los continentes y de los fondos oceánicos, de acuerdo con las densidades de las masa rocosa. El término surge en 1889, cuando el geólogo norteamericano Dutton describe este fenómeno de equilibro hidrostático en las placas tectónicas. Como si hubiese sido planeado, esta frágil instalación colapsa el 20 de Marzo 2012 –apenas 25 días después de su inauguración– cuando un terremoto de magnitud 7.4 grados Richter sacude la Ciudad de México. La obra fue restaurada algunas días después.

Sobre la arquitecta: www.carlajuacaba.com.br

2011

Ambrosi arquitectos

Adición Sustracción
Noviembre 2011 – febrero 2012

Adición Sustracciónes una intervención que consiste en una serie de maderas apiladas donde Jorge Ambrosi excava las formas espaciales de cinco proyectos residenciales recientes. El proyecto comunica el énfasis en tectónica y materialidad: una gramática arquitectónica en la cual los diferentes elementos constructivos se apilan con la lógica de la ingeniería mecánica, generando tacitas soluciones arquitectónicas de proporciones equilibradas y modulaciones matemáticas.

La instalación invita a recorrer el espacio, poniendo en juego el movimiento del espectador para descubrir, asomarse, tocar y sentir las robustas maquetas de madera cruda. El proyecto también capta el momento en el que la materia prima se traslada a la obra y permanece temporalmente amontonada, en espera de su colocación con el terreno. El “acto” o la “acción” de la arquitectura se realiza entonces, cuando los trazos en papel empiezan a tomar forma dentro del conjunto proyectado. El material desnudo muestra una arquitectura en su forma más intima y desprotegida, invitándonos a reflexionar sobre los procesos de ensamble que constituyen la naturaleza de su obra.

www.amet.mx

Paisajes emergentes

Inundaciones
Agosto – octubre 2011

El estudio colombiano Paisajes emergentes, selecciona cinco proyectos en diversas ciudades, respondiendo a una geografía y condiciones sociopolíticas disímiles, con un particular dilema en común: los fenómenos hidrológicos. La intervención de Paisajes emergentes crea atmósferas intangibles y ambientes basados en agua, temperatura, aire, humedad, condensación… elementos difíciles de representar a través de los medios tradicionales de la arquitectura.

Como sugiere el título de la exposición, el espacio de la galería es “inundado” con agua, retenida en una substancia llamada hidrogel: minúsculas partículas esféricas de un polímero que se usa normalmente para agricultura, invernaderos y granjas hidropónicas, y que pueden absorber ciento cincuenta veces su peso en agua. Paisajes emergentes crea con este material un set de modelos a escala dentro de un paisaje acuático continuo. La luz proyectada desde la parte inferior del soporte genera un sonámbulo efecto lumínico –característico de los proyectos del estudio– y provoca una evaporación acelerada del agua, creando un efecto invernadero que humedece la totalidad del espacio. Las ventanas aparecen empañadas, sugiriendo un ecosistema de niebla alrededor del paisaje. Las plantas insertadas entre las partículas de agua, activan la instalación con elementos vivos, introduciendo continuos y lentos cambios durante la duración de la exposición.

www.l-a-p.co

www.luiscallejas.com

Fotos: Ramiro Chaves

Pezo Von Ellrichshausen

Ni más ni menos
Abril – julio 2011
 
Para la exposición inaugural de LIGA, el estudio chileno–argentino Pezo Von Ellrichshausen, introduce un museo a escala 1:10 dentro del espacio expositivo. Dentro de las doce salas de la retícula cuadrada de este espacio, se exhiben doce proyectos del estudio mediante una maqueta y una serie de dibujos y fotografías de gran formato. Las obras expuestas van desde experimentos tipológicos en el límite entre arte–arquitectura, hasta proyectos residenciales construidos. El proyecto revisa los principios de claridad estructural, unidad formal y repetición tipológicas que utilizan sus autores a través de los objetos monolíticos que componen su oeuvre.

La representación de la arquitectura a escala (fotografías, modelos y dibujos a escala 1:20) dentro de la maqueta–matriz, genera una problemática inherente a la arquitectura: la exposición como representación de un objeto ausente por un lado, y la arquitectura misma como representación de otra cosa, por el otro.

www.pezo.cl