FIN DEL PROYECTO
Osdany Morales

Donde hay arquitectura, nada (más) es posible.
Imaginar la nada, Rem Koolhaas

I.
Yo entré a la facultad de arquitectura de La Habana para hacerme escritor. Pasé su prueba de aptitud, que consistía esencialmente en dibujar una esquina del taller donde nos examinábamos, y desde entonces creo que es un buen método para conseguir el acceso a un lugar deseado. Un poco kafkiano, pero todo trámite lo es, y no hay ninguna razón de peso que impida intercambiar un papeleo de antecedentes penales o la búsqueda de una inscripción de nacimiento por el dibujo al natural de una esquina del local de la ley. Las opciones a elegir deberían ser: acatar los trámites oficiales o producir una esquina. No es, como podría malinterpretarse, un método que favorezca a quienes nacieron con buena mano para el dibujo; tener buena mano es una de las evidencias más claras de la existencia del talento y, al mismo tiempo, de que este no es suficiente. Porque el dibujo de una esquina no tiene que ver con la realidad sino con el deseo individual de enfrentarse a un destino. Unos años después de aquellos trazos, Fernando Martirena y Anadis González delinearon su esquina y entraron a la facultad, y en poco tiempo también se volvieron escritores.

Su primer libro, firmado como Infraestudio desde Ediciones Infraleves, se tituló El espacio del texto y está compuesto por procedimientos, citas, listas, voces de personajes que narran sus encuentros con edificios, acciones (una crónica del consumo de la última ventana de la Casa Lamas que actualiza la quema de los Viñola en los años cuarenta, cuando un grupo de estudiantes prendió una hoguera extracurricular con los manuales de dibujo de los órdenes clásicos); la escritura queda marcada por la lógica de la vida diaria, con verdades como: «Construir una placa (losa) es la fiesta más esperada de la autoconstrucción cubana», o «Es realmente difícil explicarle a alguien cómo podría estar bien algo que en principio está mal». Su segundo volumen publicado fue una vivienda unifamiliar titulada Casa B y es, por lo menos, la mejor obra que ha dado la arquitectura cubana en este siglo.

II.
Los museos nos hacen leer de pie. Cada vez pasamos más tiempo frente al texto en el muro que ante alguna evidencia de obra. La muestra En tu mente, de Infraestudio, hace de ese desbalance una oportunidad. Sus espectadores visitan un espacio, la galería LIGA, para imaginar otros a través de la letra. Vienen hasta aquí para llegar a otras partes. La única arquitectura visible es el interior mexicano que expone en sus muros las ficciones del estudio integrado por González y Martirena. Se han entrenado primero en el limbo legal de la práctica y luego refugiado en las palabras cuando el ejercicio privado de la arquitectura fue declarado ilícito, según la lista del Clasificador Nacional de Actividades Económicas, el 10 de febrero de 2021. Su ilegalidad en el contexto cubano potencia su legibilidad.  

El repertorio de obras incluye dos restaurantes: uno expone que la tipología funcional es resistente a los binarismos ideológicos, que en cada función hay ya una ideología y la situación «restaurante» puede ser suficiente para inmovilizar el cambio, y otro muestra una posible salida, en palabras de Virgilio Piñera, para «burlar lo ineluctable» con la forma perpetua del encofrado; dos casas: una desde la precariedad de la pesadilla rural como un lugar del que nunca acabamos de salir a conquistar la vieja consigna de ser urbanos, y otra resguardada en el tacto de sus volúmenes de piedra; una residencia de arte en una antigua casa de El Vedado que crece en los muros de su parcela; y tres recorridos: un circuito interior por el Parlamento que devuelve la mirada al poder desde una justa transparencia, una secuencia de jardines por las zonas donde la ciudad personal revela su puntuación, y un puente que ensambla los emblemas arquitectónicos de la estética y la política nacionales.

«La paradoja propia de la ficción», declaró el escritor argentino Juan José Saer, «reside en que, si recurre a lo falso, lo hace para aumentar su credibilidad». Estas construcciones narradas se materializan, sorprendentemente, en una expresión arquitectónica completa. Los elementos que en un principio trataron de evitarse, para sortear las contingencias locales y garantizar su edificación, terminan en obras que parecen haberse generado en un proceso inverso. Cuesta creer que la primera decisión no fueran los materiales, o la escala, o soluciones de estructura, o las proporciones, o la luz. La idea como único trazado innegociable las salva de lo que Rem Koolhaas llamó «el estorbo de la arquitectura». Por eso los edificios de cada lector serán igualmente precisos y fieles a sí mismos en todas sus versiones.

III.
Por décadas la nueva arquitectura cubana vivió en proyectos, en planes postergados y edificios virtuales, en esquinas dibujadas a mano por futuros autores. Con Infraestudio y su probada ecuación para producir realidades esa época queda atrás. Se clausura con ella el uso del proyecto como formato de exposición, donde el modelo intentó resistir desde una ciudad en miniatura. Infraestudio ha dado con la construcción real e imaginada. Así el proyecto ha encontrado su fin, en el doble sentido: el fin como culminación, su finitud, y el fin como declaración de su razón de ser, su finalidad. También en el país, en términos generales, se acabó el proyecto. Como estudiantes, se formaron en una educación conceptual, oyendo hablar de obras sin poder asentarlas en el paisaje ni confrontar su estatura con las fachadas. Ahora producen desde ese mito, en la credibilidad de la ficción.

Aunque aparece si tecleas en Google el nombre de la muestra, y la página de LIGA asegure acumular exposiciones previas, es posible que esta visita se trate de otra ilusión de Infraestudio. Te han convencido de que la arquitectura de la galería es real, de que la exposición se inaugura el 8 de septiembre de 2022 en la Ciudad de México, en el número 176 de la calle Dr. Erazo. Has llegado hasta aquí. Has completado un paseo por los textos que invitan a imaginar ocho espacios y antes de salir has levantado del suelo el papel que ahora lees con una palpable materialidad cuando toda esta experiencia sólo ocurre en tu mente.

Conoce la exposición

¿Te perdiste la inauguración? 

Durante el mes de octubre del año 2021 tuvo lugar un evento único: el Museo Tamayo se presentó al público durante dos días sin exposiciones, como un edificio vacío.

La propuesta formaba parte de las celebraciones por los 40 años de esta obra canónica de la arquitectura mexicana, diseñado en 1972 por los arquitectos Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky, e inaugurado en 1981.

LIGA, Espacio para Arquitectura aprovechó esta ocasión y comisionó a 6 jóvenes fotógrafos de arquitectura para generar una nueva serie de retratos alrededor del edifico. En la exposición se presentan las miradas de Onnis Luque, Arturo Arrieta, Ariadna Polo, César Béjar, Luis Young y Luis Gallardo. Mediante un diálogo con los curadores, cada fotógrafo escogió una composición de obras para presentar sobre pared, y una serie de imágenes de formato variado para ser consultadas por el publico en los pedestales centrales.

En esta ocasión el museo es la obra de arte en sí mismo, vaciándolo y liberándolo de la función para la que fue concebido, expositor de otros, y convirtiéndose en la pieza central de la muestra. A través de la visión personal de cada fotógrafo, se busca ofrecer al espectador nuevas interpretaciones del espacio, mediante una reconstrucción contemporánea.

La pieza central fue comisionada por LIGA y construida en acero estructural, donado por Gerdau Corsa, gran aliado y patrocinador de nuestra iniciativa. Para su construcción se empleó una viga IR de 24” de 1 tonelada, con un peso de 55 libras por pie, fabricada en acero de alta resistencia y baja aleación producido a partir de materiales reciclados en un 94% en horno de arco eléctrico. Esta viga tenía una dimensión original de 12.20 m de largo y 1.09 m de alto, y fue cortada y moldeada para construir los pedestales expositivos. Cada módulo presenta el trabajo de un fotógrafo, pretendiendo así complementar su registro visual sobre el Museo Tamayo.

Curaduría: Frida Mouchlian y Arturo Arrieta.

Esta exposición se realizó gracias al apoyo de Gerdau Corsa, Graham Foundation Museo Tamayo y Fonca.
Gracias especiales a PictoLab, Laguna, Vira Arquitectura, Bar MINI.
Agradecemos el apoyo de Archdaily y Arquine , nuestros media partners.

La dupla mexicana presenta una intervención en el espacio de liga que describe parte de una investigación titulada - El Sinseñalismo - que explora los conceptos de desconexión y desaceleración digital y su relación con el arte y la arquitectura. A través de este proyecto, Tezontle busca sugerir una reconexión con la esencia elemental de la humanidad.

‘Refugio Justo’ es un espacio para un explorador ficticio: en el que puede mantener una vida "sin señal". Una especie de diorama, este espacio busca mostrar la vida de este personaje a través de una serie de objetos, artefactos y esculturas que representan y simbolizan la rutina diaria del usuario. Elementos que recuerdan, a través de sus interacciones con las formas de vida más básicas, una forma de relacionarse y reconectarse con lo esencial, poniendo en cuestión nuestra forma de vida contemporánea: patrones de comportamiento, costumbres y usos que damos por sentados. Al crear un espacio efímero, la instalación también explora temas de temporalidad en la arquitectura, cuestionando la noción misma de permanencia.

El estudio paulista, conocido por sus edificios pragmáticos y austeros, muestra en un espacio laberíntico, ocho de sus proyectos de viviendas unifamiliares: Casa Maracanã (2009), Casa Mipibu (2015), Vila Matilde (2015), Casa Guaianaz (2018), Casa Cruzeiro (2019) Casa das Jabuticabeiras (2019), Casa Indianápolis (2020) y Casa Lírio (2020-). Las maquetas, al igual que su obra, se exponen de forma sencilla, hechas de materiales básicos, grises y neutros. Sin embargo, no es el preciosismo de las maquetas individuales lo que importa, sino más bien las relaciones que se establecen entre ellas. Las maquetas se colocan de forma continua en un cuarto oscuro e iluminadas de manera puntual. Algunas de ellas tienen un espejo de fondo donde se ve la imagen de la siguiente reflejada.

En los proyectos seleccionados por el despacho Terra e Tuma para esta muestra, tenemos la presencia de materiales y formalizaciones tipológicas similares, haciéndose eco de otras obras de la arquitectura brasileña. El proceso de repetición perfecciona las técnicas adoptadas, así como el ajuste y adecuación a los terrenos, demandas y presupuestos distintos. El hecho de que sea al mismo tiempo copia y diferencia sugiere un alejamiento de la tradición, como podemos observar en la teoría “do Novo” presentada por Haroldo de Campos. Según este crítico literario, las obras importantes son híbridas, amalgamadas, contrastantes, ya que traen en sí múltiples referencias del pasado. Ellas hacen parte del “movimiento plagiotrópico de la literatura”, especie de “ramificación oblicua,como en botánica se nombra a la expansión de ciertas plantas.”

La copia y el saqueo son parte del proceso creativo.

Este dispositivo investiga las aguas ocultas y expuestas que circulan en la ciudad de México, así como sus efectos en el ambiente, en constante relación con sus condiciones histórico-temporales. El cuerpo de agua en el que se enfoca es el río Becerra, ubicado al poniente de la ciudad. Un río que fluye desde las alturas de Santa Fe a través de los barrios que conforman Alta Tensión, entre Periférico y Patriotismo, hasta perderse en el drenaje profundo por la desembocadura del mega distribuidor vial. Como uno de los últimos cuerpos de agua visibles situados en el centro de la ciudad, revela la política de desecación e higiene implementada desde la conquista, seguida por el régimen modernista implementado por Porfirio Díaz y Luis Echeverría: río = tubo = calle = drenaje. 

CAH se presenta como un observatorio y ampliador sensorial o de fenomenología expandida, que permite ingresar al metabolismo del agua y visualizarlo haciendo uso de diversos microcontroladores que se comunican y articulan a un servidor. La traducción de los datos fluctuantes se presenta a través de dos plataformas: una física dentro de LIGA y otra virtual a través de la página web:www.panosmico.com, donde se reflejan gráficas de análisis comparativo y otros múltiples detalles de este proyecto. 

El operativo funciona mediante tres estaciones de sensores distribuidos en las presas A, C y D del río Becerra, reportando cada hora el estado fluctuante de índices: pH, cantidad de oxígeno, velocidad de movimiento, temperatura, y densidad de partículas disueltas en las aguas. La información recolectada circula en tiempo real dentro de LIGA, traducida por actuadores en la instalación en sala. Cada contenedor recibe la información procesada del río y reacciona a partir de los valores obtenidos, afectando la imagen de las presas reproducidas en pantalla. Desde el abordaje fílmico se imagina el cauce del agua donde el concreto y el chapopote se apoderan del espacio, mostrando la estructura urbana caótica. Las estaciones, dotadas de un circuito cerrado, funcionan como un testigo visual.

El Circuito de auscultación hidrográfica es un proyecto de PANÓSMICO (Manolo Larrosa y Mariana Mañón) en colaboración con Roberto Michelsen, Iñigo Malvido, Francisco Ohem y Mateo Torres Ruiz. El CAH es la propuesta ganadorade “Máquinas imaginantes”, la convocatoria pública de LIGA.

La exposición toma como punto de partida el proyecto “Monolith Controversies”, investigación realizada para la Bienal de Venecia de 2014, curada por Rem Koolhaas, como parte de la sección “Absorbing Modernity”.  Un objeto híbrido se alzaba a la mitad del espacio del pabellón de Chile: un panel de concreto de 3 x 3 m de altura, producto de la fábrica de KPD donada por la URSS a la ciudad de Quipulé en Chile, para apoyar el gobierno socialista de Salvador Allende.

Este monolito de concreto, mitad pieza industrial, mitad monumento del presente, fue un simbólo de la transformación social y económica de Chile a través de la construcción masiva de vivienda social. El modelo venía de Francia, y había sido inventado como una solución económica y eficiente para el periodo de reconstrucción de la Europa de la posguerra; la estructura sería posteriormente adaptada por la Unión Soviética, a raíz de la escasez de vivienda que generó el proceso de desestalinización del país, comandado por el líder soviético Nikita Khrushchev. Su tercera encarnación emerge en Cuba, donde el sistema fue readaptado como el “Gran Panel” soviético, en 1963, resultado de la donación de una fábrica de producción de paneles de concreto al régimen de Fidel Castro.

A través de estas adaptaciones, el sistema de paneles finalmente llegó al Chile de Salvador Allende, tras una nueva donación de una fábrica de paneles KPD, para apoyar al pueblo chileno tras el terremoto de 1971. Uno de los primeros paneles en producirse fue firmado con puño y letra por el propio Allende, como símbolo de una nueva era, ejemplo de modernización y nuevas políticas sociales en torno a la vivienda. Después del golpe de Estado de 1973, la fábrica cambiaría de dirección y estrategias, modificando el rumbo diseñado por el brazo socialista. La pared firmada conjuntamente con el embajador ruso con la leyenda: “Gracias compañeros soviéticos y chilenos” sería cancelada con una nueva capa, convirtiendo el monolito social en un tradicional altar religioso: el triunfo de la derecha conservadora sobre el socialismo y la sepultura en vivo de un momento cargado de esperanzas y aires de renovación. La fábrica continuaría su operación, y el panel de concreto sería asimilado en dos estadios políticamente antagónicos, representando su cuarta y quinta interacción: el KPD socialista (1972) y el VEP neoliberal (1976).

Para la exposición se reúne fotografías de la trayectoria del panel como un reflejo de la historia arquitectónica, política y cultural de Chile, empezando por un recorrido de varias décadas hasta su recuperación y exposición en la Bienal de Venecia. En el espacio de LIGA se muestra una maqueta de un edificio “Matrioshka”, donde convergen los diferentes sistemas interconectados de este modelo, con valores de similitud y repetición, estandarización y variación de un objeto, que se vincula con procesos tecnológicos, arquitectónicos, de diseño, arte, política y cultura.

Asimismo, se exhibirán dibujos y documentos de prensa que acompañaron el proceso sociocultural de Chile y la transformación de la ciudad en la época de Salvador Allende. Finalmente y de forma inédita, se exhibirá un documental que recoge el proceso de descubrimiento y develado del panel en tiempos recientes.

Sobre los investigadores: Pedro Alonso es arquitecto y magíster en Arquitectura por la Pontificia Universidad Católica de Chile, y doctor en Arquitectura por la Architectural Association de Londres. Hugo Palmarola es diseñador de la Pontificia Universidad Católica de Chile (PUC). Tiene una maestría en Historia y Teoría del Diseño Industrial por la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), donde también obtuvo su grado de Doctor en Estudios Latinoamericanos con una investigación sobre los imaginarios tecnológicos durante la época de oro del cine mexicano.

Se accede a su interior por una apertura en la textura continua de las piezas, que esconde un recorrido sin principio ni fin por el universo metodológico y proyectual de la oficina chilena. Si las pasadas ediciones a cargo de Pezo von Ellrichshausen y RCJV, incorporaron imágenes y planos del trabajo de las respectivas oficinas, ya fuese en forma de miniaturas colgadas en las paredes de un museo a escala 1:10 o compiladas en un libro; UMWELT propone construir una arquitectura que acoja la representación de otras arquitecturas ausentes. Esta estructura concebida no sólo como objeto simbólico, sino también como un espacio capaz de condensar el flujo de los visitantes, ofrece una exposición dentro de otra exposición, cuestionando así la paradoja de exponer arquitectura.

www.umw.cl

Los arquitectos regiomontanos de S-AR aceptaron el desafío de intervenir simultáneamente LIGA y Monoambiente. Para ello proponen no una pieza aislada, sino una estrategia aplicable a cada uno de los dos espacios, topológicamente equivalente en ambos casos. La conexión se establece, asimismo, mediante el material, que es malla de acero y, en contraposición, debido a que el acero se deja crudo en un espacio y se pinta de blanco, en otro. Si bien en LIGA la pieza recorre el perímetro interior y sus tres columnas envolviéndolas con sucesivas capas que permiten ver a través de éstas, en Monoambientese erige una sola columna central imaginaria.

La superposición de mallas produce, en ambos casos, un muaré. Este efecto óptico que percibimos cuando dos patrones de líneas cercanas paralelas se superponen, tiene lugar entre las mallas separadas por escasos centímetros, pero también entre aquellas que están a miles de kilómetros de distancia, en dos hemisferios diferentes, imbricándose conceptualmente desde Ciudad de México hasta Buenos Aires.

www.s-ar.mx

Los arquitectos emplean la técnica literaria del cut-up que se remonta a Tristán Tzara, y que fue popularizada a finales de los años cincuenta por William S. Burroughs con su controvertida novela Naked Lunch. El método cut-up introduce el azar en el proceso creativo: Una frase se corta en pedazos y se reorganiza para crear un nuevo texto. Extrapolando esta técnica a la arquitectura, se aíslan los elementos volumétricos y se disponen en el espacio sin una jerarquía predeterminada para encontrar relaciones. Burroughs sugería que la técnica de recortes podía utilizarse como un método de adivinación: “Cuando se corta el presente, el futuro se filtra”. De ser cierto, el futuro está esperando a la persona que quiera jugar el juego de Gramática.

Sobre los arquitectos:

www.llonazamora.com

Cuando Vilanova Artigas, precursor de la Escuela Paulista, expresaba la diferencia de su método proyectual con el de Oscar Niemeyer, declaraba lo siguiente: ‘Oscar y yo tenemos las mismas preocupaciones y nos encontramos con los mismos problemas pero mientras que él siempre se esfuerza por resolver las contradicciones en una síntesis armoniosa, yo las expongo claramente.’1 Y eso es lo que el extraño objeto de TACOA hace de manera tan contundente, en las calles de la Ciudad de México: materializar las fricciones de la vida urbana. Rodrigo Cerviño y Fernando Falcón reemplazan las fracturadas y desgastadas jardineras de esta transitada esquina de Insurgentes, por otro objeto igual de imperfecto: una plataforma inclinada, mitad banca, mitad jardinera que sale desencajada de la costra urbana como una placa tectónica expulsada por la presión excesiva.

1Cita de Bruand Yve, Arquitetura contemporánea no Brasil en Vilanova Artigas y la dialéctica de los esfuerzos / Vilanova Artigas and the dialectics of stress, Guilherme Wisnik, 2G No.54, João Vilanova Artigas, p.18

www.tacoa.com.br

Macías Peredo ‘apila’ igualmente para esta muestra, pequeños e íntimos escritos de amigos cercanos que nos relatan, desde diferentes puntos de vista, la apreciación del trabajo manual y el rol del artesanado en la producción arquitectónica. En su praxis observamos cómo la mano humana logra manipular el material, inclusive aquel menos maleable, para así arrancar la piedra de la montaña y extraer la arquitectura del paisaje.

www.emparquitectos.com

La materialización de estos objetos a través de vaciados en yeso en tonos grises, verdes, amarillos, azules y rosas, traslada el repertorio a la escala del objeto, unificando el lenguaje formal y perdiendo sus rasgos particulares. Como en las naturalezas muertas de Giorgio Morandi, los elementos se agrupan en ensambles sobre las superficies blancas de los muebles, creando una armonía de figuras excéntricas. Este pequeño wunderkammer instalado en la galería presenta al arquitecto como curador, coleccionista y editor: leer, ver, prestar, copiar, ensamblar y descifrar las propuestas espaciales de hoy y de antaño, es para Marín y López el punto de partida para crear significados nuevos.

www.emiliomarin.cl

El recorrido del visitante activa el espacio creando tanto encuentros personales entre el individuo y las actividades representadas, como una lectura fragmentada del visitante en la instalación – un juego recurrente en el trabajo de MAPA. En su conjunto, la multiplicidad de escenas cotidianas y la repetición matemática de las piezas de madera generan una simbiosis entre vida y materia, entre escenas individuales y la colectividad de la polis, entre lo particular y lo genérico.

www.mapaarq.com.uy

Dependiendo del punto de vista, el artilugio colgado entre ambas paredes de mampostería, parece al mismo tiempo un túnel y un puente, espacio y objeto: una banda de Moebius que confunde lo que es interior y lo que es exterior. Arraigada perfora el edificio y pone en tela de juicio uno de los argumentos básicos de la arquitectura: la definición de un adentro y un afuera.

www.diegoarraigada.com

La propuesta de RCJV, Un cuarto para la ciudad de México es la construcción de un lugar –un cuarto–, dentro del espacio expositivo de LIGA. En su interior se encuentra un atlas inédito: un libro que recopila imágenes de lugares, objetos, elementos y trabajos que recrean la trayectoria de Ricardo Carvalho y Joana Vilhena a lo largo de estos años. “The Room is the Place of the Mind. In a small room one does, not say what one would in a large room”. Con ésta afirmación de Louis Kahn, RCJV habla de la construcción de una arquitectura cotidiana, que sucede además en el momento presente, realizada con materiales ligeros y efímeros. La muestra se acompaña por textos de los arquitectos Manuel Aires Mateus (POR) y Mauricio Pezo (CHL).

www.rcjv.com

El arquitecto chileno, formado también como carpintero en el taller de su padre, explica: “Propongo ocupar una sala en opacidad, con una estructura de madera de 2,26 metros de alto. Silenciosa, perfumada y apuntalada, a medio camino entre guarida y remanso para las hordas. No es una obra de arte para ser exhibida, sino más bien, un lugar ocupado con desmesura por una estructura de madera, temporalmente encajada con cuatro cuñas entre tierra y cielo que, como en uno de los cuentos de los Hermanos Grimm, me invita a demostrar la habilidad de convertir la paja en oro”.

La muestra expande y materializa el contenido de este libro mediante la proyección del material audiovisual realizado ex profeso para la instalación: el registro de fenómenos lumínicos y sonoros – grabados en lugares distintos– que penetran desde el exterior hacia los espacios interiores. Para plan:b, la arquitectura es la permeabilidad misma.

http://www.planbarq.com

A pesar del ambiente festivo, Chinchilla señala con claridad las problemáticas urgentes de la crisis actual de la vivienda: su desvinculación con el usuario y la desconfianza de la sociedad hacia el gremio. En la misma filosofía que los Eames, para Izaskun “todo es arquitectura”. Así, inspirada por los ubicuos detalles de la vida cotidiana, la arquitecta promueve una arquitectura comprometida con la innovación profesional: una combinación refrescante entre nuevas tecnologías y una búsqueda por experiencias primarias y sensoriales.

 www.izaskunchinchilla.es

El título de la exposición, Isostasia, se refiere a la condición ideal de equilibrio gravitatorio que regula las alturas de los continentes y de los fondos oceánicos, de acuerdo con las densidades de las masa rocosa. El término surge en 1889, cuando el geólogo norteamericano Dutton describe este fenómeno de equilibro hidrostático en las placas tectónicas. Como si hubiese sido planeado, esta frágil instalación colapsa el 20 de Marzo 2012 –apenas 25 días después de su inauguración– cuando un terremoto de magnitud 7.4 grados Richter sacude la Ciudad de México. La obra fue restaurada algunas días después.

www.carlajuacaba.com.br

La instalación invita a recorrer el espacio, poniendo en juego el movimiento del espectador para descubrir, asomarse, tocar y sentir las robustas maquetas de madera cruda. El proyecto también capta el momento en el que la materia prima se traslada a la obra y permanece temporalmente amontonada, en espera de su colocación con el terreno. El “acto” o la “acción” de la arquitectura se realiza entonces, cuando los trazos en papel empiezan a tomar forma dentro del conjunto proyectado. El material desnudo muestra una arquitectura en su forma más intima y desprotegida, invitándonos a reflexionar sobre los procesos de ensamble que constituyen la naturaleza de su obra.

www.amet.mx

Como sugiere el título de la exposición, el espacio de la galería es “inundado” con agua, retenida en una substancia llamada hidrogel: minúsculas partículas esféricas de un polímero que se usa normalmente para agricultura, invernaderos y granjas hidropónicas, y que pueden absorber ciento cincuenta veces su peso en agua. Paisajes emergentes crea con este material un set de modelos a escala dentro de un paisaje acuático continuo. La luz proyectada desde la parte inferior del soporte genera un sonámbulo efecto lumínico –característico de los proyectos del estudio– y provoca una evaporación acelerada del agua, creando un efecto invernadero que humedece la totalidad del espacio. Las ventanas aparecen empañadas, sugiriendo un ecosistema de niebla alrededor del paisaje. Las plantas insertadas entre las partículas de agua, activan la instalación con elementos vivos, introduciendo continuos y lentos cambios durante la duración de la exposición.

www.l-a-p.co

www.luiscallejas.com

Fotos: Ramiro Chaves

La representación de la arquitectura a escala (fotografías, modelos y dibujos a escala 1:20) dentro de la maqueta–matriz, genera una problemática inherente a la arquitectura: la exposición como representación de un objeto ausente por un lado, y la arquitectura misma como representación de otra cosa, por el otro.

www.pezo.cl